Hola, me llamo Nagore, vivo en Vitoria, en el País Vasco, y soy licenciada en Comunicación Audiovisual. Llevo más de veinte años trabajando en el mundo del vídeo, en ámbitos muy diferentes: realización, grabación, edición, postproducción, asistencia técnica en eventos audiovisuales… y, dentro de la fotografía, los trabajos que he realizado profesionalmente han estado relacionados principalmente con la fotografía social, de eventos y de producto. Sin embargo, mi trabajo más personal empezó a surgir casi sin que yo fuera consciente de ello. Hace unos años me apunté a unos cursos online sobre retoque con Photoshop en una academia americana en los que mensualmente nos proponían un reto: crear un fotomontaje sobre un tema concreto a partir de fotografías de stock que, a primera vista, podían parecer completamente inconexas. Me fascinó descubrir que era posible coger todos aquellos elementos y construir con ellos una imagen totalmente coherente, un mundo que en realidad nunca había existido. Llegué incluso a ganar uno de aquellos concursos y a quedar finalista en varias ocasiones, lo que me animó a seguir realizando este tipo de trabajos. Me gustaba especialmente crear escenas surrealistas y de fantasía, probablemente porque siempre me ha atraído muchísimo la posibilidad de imaginar y construir otros mundos. En cuanto a la fotografía “propiamente dicha”, me atrae sobre todo fotografiar lugares y paisajes, pequeños detalles de escenas cotidianas, animales, flores y fotografía macro, objetos, bodegones… En realidad, cualquier cosa que por alguna razón consiga hacer que me detenga y mire. Precisamente ahora me he propuesto un pequeño reto personal: hacer al menos una fotografía cada día, aunque sea con el móvil, que siempre llevo conmigo. No busco grandes fotografías, sino entrenarme para prestar atención a lo que aparece en los trayectos y escenarios que forman parte de mi vida cotidiana y descubrir cosas que quizá normalmente pasarían desapercibidas. Conocí el trabajo de Rebeca en 2014, a raíz de un curso que impartió en la sociedad fotográfica de mi ciudad y al que, paradójicamente, no pude asistir por motivos laborales, pero me interesó tanto lo que vi de su trabajo que empecé a investigar, visité su página, compré sus tutoriales de fotografía y retoque —que me parecieron maravillosos— y, durante la pandemia, me apunté a sus primeros cursos online de fotomontaje, maquillaje digital, retoque fine art…

Todos la habéis visto. Miles de veces. Se enciende la sala, aparece esa mujer envuelta en tela sosteniendo una antorcha, suena la fanfarria y empieza la película. Es probablemente uno de los rostros más vistos de la historia del cine y casi nadie sabe de quién es. Vamos por partes, porque la historia es mucho mejor de lo que parece. ## De 1924 a 1992: una figura que no para de reinventarse La dama de Columbia nació en 1924, cuando los hermanos Cohn y Joe Brandt cambiaron el nombre de su empresa (la CBC Film Sales) por Columbia Pictures. El nombre y la figura venían de "Lady Columbia", la personificación femenina de Estados Unidos, una especie de diosa laica que hoy casi nadie recuerda. En aquel primer logo no había antorcha: era una especie de soldado romana con un escudo en una mano y una espiga de trigo en la otra. La antorcha llegó en 1928, y con ella la estola y la palla romanas, la bandera convertida en manto y ese aire de estatua clásica que ya no se ha ido nunca. En 1936 llegó la versión que la mayoría tenemos en la memoria emocional: la dama sobre un pedestal, sin tocado, con "Columbia" cincelado detrás. Duró hasta 1976. Cuarenta años de una misma imagen. Pensad en eso un momento: cuarenta años sin tocar una imagen y que siga funcionando. Y ahí empieza lo interesante. ## El encargo: "devolvedle el aspecto clásico" Sony compra el estudio en 1989. Peter Guber encarga a Scott Mednick renovar la identidad visual de todas las marcas del grupo, y Mednick contrata a un pintor de Nueva Orleans llamado Michael J. Deas. El encargo no era "modernízala". Era justo lo contrario: **devolverle el aire clásico que se había ido perdiendo en las versiones intermedias**. Deas es un pintor figurativo serio, de los que estudian a los maestros. Sus retratos de Lincoln y de Marilyn están en museos y ha ilustrado sellos de correos de Estados Unidos. Su plan fue pintar al óleo, con lógica renacentista de luz y volumen, y después digitalizar y animar esa pintura. Le llevó dos meses. Dos meses de trabajo, día y noche, sobre una sola imagen.

El foil dorado de estas imágenes no está retocado. Ni una letra. Si alguna vez has intentado generar una tableta, un frasco o una caja con el nombre de la marca legible, ya sabes lo que pasa: el modelo te inventa las letras, funde el logotipo con el brillo y te convierte la tipografía en un manchurrón de purpurina. Y acabas asumiendo que eso se arregla después, en Photoshop, imagen por imagen. No hace falta. He montado una campaña comercial completa de chocolate volcánico —marca, concepto, diez planos, y el texto dorado del envoltorio sale limpio directamente de generación. Sin retoque. La diferencia no está en el modelo. Está en el brief. En el artículo tienes todo abierto, sin recortes: → El concepto de campaña y por qué se escribe antes que el primer prompt → Las cinco reglas visuales que mantienen unidas diez imágenes → La anatomía del prompt: los siete bloques y en qué orden van → El plano 00, cómo crear la imagen de referencia que lo sostiene todo →Los 10 prompts completos, plano a plano, con el razonamiento detrás de cada decisión → Los tres fallos que se repitieron y cómo los arreglé → Cómo cambiar el producto sin romper la estructura Cambia la marca, mantén la lógica. Esa es la parte que te vas a llevar puesta a todos tus trabajos. 👉 https://www.skool.com/rebecasaray/classroom/1d660606?md=e36ac03174994385bc5f6a23335a8334

Aquí tenéis el post con la sesión completa con todos sus prompts de esta semana, espero que os guste. https://www.skool.com/rebecasaray/classroom/1d660606?md=92d8f8fcba8741449e8a5724a802e6dd

He subido una explicación completa de lo que son los prompts randomizer, esos prompts largos que he ido compartiendo estos días (Halloween, cuentos de hadas y dragonas elementales con su cría). Un randomizer no describe una imagen: describe un universo con reglas. Tú decides qué se queda fijo para siempre —la identidad de la persona, el realismo, la cámara, lo que está prohibido— y qué tiene que cambiar en cada generación —escenario, vestuario, pelo, maquillaje, pose, paleta—. El mismo prompt, sin tocar una coma, ejecutado veinte veces, te devuelve veinte imágenes distintas que se notan de la misma familia. Variación con coherencia. En el post os explico: - La diferencia real con un prompt normal y por qué esto os ahorra semanas de trabajo - La anatomía: bloques ancla y bloques generadores, y por qué el orden importa - Por qué las listas de "evitar" valen tanto como las de opciones - Para qué lo vais a usar de verdad: series, oráculos, contenido de redes, campañas de cliente - El truco de fijar una variable por tanda para que el modelo no se enganche siempre a lo mismo Y hay reto. Coged uno de los tres randomizers, poneos vosotros mismos de modelo (o a quien queráis), ejecutadlo cuatro veces y subid los cuatro resultados diferentes en los comentarios, contando cuál os sorprendió. Los fallos también, que de esos se aprende más. Todas las imágenes están hechas con Nano Banana 2. Elpostaquí:https://www.skool.com/rebecasaray/classroom/1d660606?md=7d7b04d0e85149109a32226632693d0a